Сегодня у меня в блоге (пока сам я разбираюсь с «итогами отпуска») очень полезная статья Анатолия Аникина.
Статья из журнала «Лучшие Цифровые Камеры»
№7(46), июль 2008.
Текст статьи отредактирован. В основном он соответствует тому, что я писал в начале лета, но кое-что дополнено и изменено. Желающие могут ознакомиться с журнальным оригиналом в формате PDF.
Композиция — основа любого изобразительного искусства. Нет никакого другого способа передать содержание произведения, кроме как сделать это, построив композицию. Так и в фотографии. Есть композиция — есть и фотография. Нет ее, нарушена, неверна, негармонична — снимок разваливается, становится неинтересным, бессодержательным, некрасивым.
Самое интересное, что это относится не только к художественной, но и к бытовой и к репортажной фотографии. И в том и в другом случае бывают исключения — когда ценна любая фотография, даже с самой неудачной композицией. Но если есть хоть какая-то возможность выбирать, предпочтение будет (и должно быть) отдано композиционно более удачному снимку.
Фотографы изобрели не один десяток правил композиции, каждое из которых может быть оспорено. Более того, сомнения вызывает даже сам факт их существования. И, тем не менее, они действуют. Законы и правила композиции — не точные математические формулы, каждый фотограф формулирует их для себя заново. Но есть общая для всех основа. О ней и поговорим.
Композицию можно тщательно создавать, строить. В натюрморте, например, возможен только такой подход. А можно чувствовать ее, находить, видеть. Жанровая, репортажная фотография, съемка животных требуют очень тонкого композиционного чувства, чем более оно развито, тем удачливей фотограф. Композиция в пейзаже, портретной съемке и других фотожанрах — чаще всего, сочетание удачи, внимательности и изобретательности. Там, в равной степени, требуются оба умения — строить и находить композицию.
Композиция может быть как «поверхностной», легко обнаружимой и поддающейся анализу (что не значит, что она плоха), так и «глубинной». Построение многослойной композиции требует большего умения. Да и в полной мере воспринять фотографию с глубинной композицией зачастую может только подготовленный, опытный зритель.
Чтобы научиться находить композиционные решения следует, во-первых, смотреть чужие фотографии, желательно признанных мастеров и профессионалов (или отобранные ими). И не просто смотреть, а анализировать композицию и строение кадра. Ну а во-вторых, снимать, снимать, и снимать. Набивать глаз и руку, растить свое композиционное чутье.
Анализ и сравнение композиции:
1.
Однопредметная композиция дополняется диагональными тенями, которые фиксируют и направляют взгляд по диагонали кадра, снизу вверх.
Немного измененная композиция. Два остроконечных напильника однозначно указывают на «главный» объект в кадре. Возможно, стоило сделать глубину резкости побольше.
2.
Диагональное пересечение листьев, игра теней и маленькая глубина резкости создают вполне гармоничную композицию, построенную практически по пропорциям «золотого сечения».
Здесь композиция далеко не так проста для анализа, тем не менее, она почти так же гармонична. Что лучше, простота первой или неоднозначность второй — вопрос, не имеющий единственно правильного ответа.
Формат кадра.
Даже если ты снимаешь единичный объект, в композиции участвуют, по крайней мере, два — то, что ты снимаешь и граница кадра. Квадратный формат раздумий не требует, поскольку никакого выбора нет — квадрат, он и есть квадрат (странно бы смотрелся человек снимающий квадратные кадры положив камеру на бок). Но мы, приверженцы 35-мм формата, снимаем прямоугольные кадры. А значит у нас есть по-крайней мере два варианта: вертикальный и горизонтальный кадр.
Первый более воздушен, второй более приземлен. Рассуждать об этом можно долго, но лучше перейти к конкретике.
Крупноплановый портрет (взгляд в камеру или немного в сторону) традиционно вертикален, что логично. Выбор этого формата позволяет максимально заполнить кадр объектом, то есть лицом человека. Такой кадр нединамичен и замкнут сам на себя, но именно это и необходимо.
Но как только человек поворачивает голову и смотрит куда-то не в объектив, кадр стоит повернуть… Или не повернуть — это зависит от направления взгляда: человек смотрит вверх или вниз — не надо ничего поворачивать, вправо или влево — изменение формата просто напрашивается. Иначе тесно, взгляд человека утыкается в рамку.
Второе правило связанное с направлением взгляда не имеет касательства к формату кадра, но не менее важно – лучше оставлять больше свободного места в направлении взгляда, а не наоборот.
С пейзажем все, с одной стороны, еще проще, с другой, гораздо сложнее. Коротко, суть проблемы в том, что может быть два подхода: в одном случае свободное пространство само по себе является активным участником композиции, в другом, композиция более замкнута и пространство, скорее, мешает.
Например, снимая одинокое дерево, можно включать в кадр только его (пример второго подхода; и тут лучше подойдет вертикальный кадр), но в этом случае разговор может идти о ветках и листьях, силуэте растения и эмоциях, которые их взаимодействие вызывает, но никак не об одиночестве.
То, что дерево одиноко, можно показать если следовать по первому пути. Для этого нужно снимать горизонтально и оставлять пустое пространство, которое будет контрастом подчеркивать древесное одиночество.
Кстати, поясной портрет или портрет в полный рост так же могут быть сняты как на вертикальный, так и на горизонтальный формат, причем, рассуждения будут такими же, как и в примере с одиноким деревом.
Пользуясь этими двумя примерами можно порассуждать и о всех остальных жанрах, от репортажа до макросъемки.
Два примера вертикального и горизонтального форматов.
1. Выбор как формата, так и кадрирования всегда зависит от сюжета и расположения объектов (в данном случае фотографов) в кадре. Если с поворотом камеры в обоих случаях все понятно — как расположены люди, так и располагаем кадр, то с кадрированием не все так просто. На обоих кадрах в зону резкости попадает только по одному человеку, остальные включены в кадр, чтобы уравновесить композицию и создать сюжет, содержание кадра. В обоих случаях можно было снимать только конкретного фотографа, и в обоих случаях получился бы, пусть и интересный, но гораздо менее содержательный портрет.
2. Оба кадра сделаны на одном фокусном расстоянии (50 мм, f/1.8). Вертикальный формат задает направление взгляда от «ног» зрителя к дому и выше — в небо, к флагам. При горизонтальном формате взгляд движется слева направо — от реки и леса на дальнем плане, и снова к дому, акцентируя внимание именно на нем. Здесь оба формата одинаково удачны и выбор конкретного зависит от того, что ты хочешь передать на снимке. Кстати, выбирать совершенно необходимо, показывать зрителю два кадра, дескать пусть выберет сам – недопустимо.
Кадрирование.
Кадрирование — в последнее время штука модная, и на мой взгляд принадлежит к тому же классу издевательств над самой идеей фотографии, что и применение «художественных» фотошоп-фильтров и, так называемая, беспредметная фотография (а особенно, придумывание к подобным фотоснимкам цветистых названий). И то и другое и третье – по сути, является попыткой исправить сделанные во время съемки (и, чаще всего, непоправимые) ошибки: неверно выбранный ракурс и фокусное расстояние, и полное отсутствие в фотоснимке сюжета и смысла. Пытаясь «улучшить» фотографию, добавить ей смысл таким образом, ты только яснее показываешь, что, на самом деле показать-то тебе нечего, но очень хочется.
Стоит заметить, что я не являюсь категорическим противником кадрирования, вот только, на мой взгляд, единственный момент, когда фотографию можно кадрировать — это момент съемки. Все просто – если ты хочешь снять квадратную фотографию, то и строить ее композицию нужно в квадрате, а не раздумывать после съемки над принципиально прямоугольным кадром — «А не обрезать ли мне его до квадрата». То есть снимать нужно, уже предполагая, что фотография будет резаться, а не наоборот.
Я так же не против бессюжетности. Только она, как и кадрировании, должна начинаться до того, как кадр сделан. А не после этого.
Особенно беспомощно, на мой взгляд, выглядят фотографии различных нестандартных форматов, которые получаются как раз при попытках поправить непоправимое.
Здесь, как и всегда, бывают исключения. Встречаются фотографии, которые можно и нужно кадрировать, но редко. Встречаются — наоборот, часто — те, формат которых просто не может быть стандартным: панорамы, например.
Анатолий Аникин — фотограф, три года работал редактором журнала «Лучшие Цифровые камеры», пишет статьи для журналов Digital Photo, Sync, T3 и других. Занимается организацией фотоэкскурсий по руинам Подмосковья, поездок в фотографически интересные места, проводит мастер-классы. Автор сайта «Заметки фоторедактора»
Статья опубликована в соответствии с Creative Commons Attribution-Noncommercial-Share Alike 3.0 Unported License.
5 комментариев:
Хорошая, смысловая статья. Полностью согласен, что кадрировать надо стараться уже при съёмке, особенно при "плановой" художественной съёмке. Но при репортажной и повседневной съёмке это часто просто невозможно. Вот и приходится ваять :)
А вообще это вопрос гораздо более широкий, чем можно написать в любой статье! Искусство, одним словом!
Часто приходится кадрировать уже после съёмки, но я у верен, что это от недостаточного опыта. Бывает, что думать надо очень быстро и от волнений упустить кадр фотографируешь с ошибкой. Вот только не могу ни чего сказать про кадрирование до пропорций формата кадра 4:3 и 3:2. А ещё головной болью стал чертёжный формат А4, благодоря домашним фотопринтерам. И как тут не кадрировать?
Формат А4 — 210х297 мм — это очень близко к стандартному фотоформату 20х30 см (или 8"х12" — 203х305 мм). В общем, лишь чуть-чуть длинее и уже, чем при пропорциях 2:3.
Кстати, сам я кадрирую почти всегда. Во-первых, потому что для печати нужно 2:3, а у Олика (и вообще Four Thirds зеркалок) соотношение, как и у большинства компктов, 3:4. Во-вторых, постоянно забываю, какие стороны для этого придется резать ;-) поэтому делаю запас со всех сторон. Наконец, формат «для иллюстраций на сайте» не имеет ограничений в пропорциях — и тут вообще можно резать так, как подсказывает сюжет (хотя это — упомянутый в статье случай, когда уже в момент съемки знаешь, как именно будешь потом кадрировать).
у меня пока еще не получается нормально кадрировать при съемке. Постоянно приходится подправлять в фотошопе... И часто угол фотографии немного уходит, но это ничего, со временем научусь!
Огромное спасибо за статью!
Опыт — дело наживное ;-)
Поначалу лучше оставлять немного запаса, чем потом жалеть об оказавшихся за пределами кадра частях. Но именно немного. В целом композицию нужно ловить до нажатия на спуск. И навык держать горизонт, по-моему, должен быть одним из первых.
Хотя есть исключения. Когда отщелкиваешь серию снимков быстро движущегося объекта, последующее кадрирование практически неизбежно. Аналогично — при съемке «от пуза».
Отправить комментарий